カナシミはなぜ必要なのか。

ピクサー・アニメーションスタジオが、史上初の長編3DCGアニメーション「トイ・ストーリー」を発表し、映画史に革命を起こしたのは1995年のこと。
いまやCGは、アニメーション表現のメインストリームとしてすっかり定着している。
そして、20周年という記念すべきアニバーサリーイヤーに、15本目の長編作品としてピクサーが送り出すのが、人間の心をキャラクター化した「インサイド・ヘッド」だ。
人生の新たなステップを上がる少女ライリーの物語と、彼女の脳内で繰り広げられる冒険が同時進行する意欲作である。

監督を務めるのは、「モンスターズ・インク」や「カールじいさんの空飛ぶ家」で知られ、「トイ・ストーリー」の生みの親の一人にして、ピクサー屈指のストーリーテラーであるピート・ドクター。
彼自身の子育て経験から生まれた作品は、最高に面白くて野心的。
大人たちは親目線で、子供たちはライリーや彼女の心のキャラクターたちにどっぷり感情移入して楽しめる、上質なエンターテイメントである。
※核心部分に触れています。

ミネソタに住むライリーは11歳。
アイスホッケーが大好きな快活な女の子だ。
彼女の頭の中の司令部では、5つの感情たち、ヨロコビ、カナシミ、ムカムカ、ビビリ、イカリが、彼女を幸せにすべく毎日奮闘中。
ところがある時、パパの新しい仕事の都合で、一家はサンフランシスコに引っ越すことに。
自然豊かな田舎街で育ったライリーにとって、常春の大都会は未知の世界。
新しい生活に馴染めずに戸惑っている時、脳内の司令部ではひょんなことからヨロコビとカナシミが行方不明になってしまう。
2つの感情を失って、友だちや家族とも衝突するライリーは、ミネソタへ家出する事を決意する。
はたしてヨロコビとカナシミは、彼女の心が壊れてしまう前に司令部へと帰れるのだろうか・・・・

本作の最大の特徴は、思春期を迎えようとしている少女の感情をキャラクター化し、感情の冒険物語を通して心の成長を描いている事。
もっとも、心のキャラクター化は過去にもいくつか例がある。
つい先日公開された日本の実写ラブコメ「脳内ポイズンベリー」では、恋に揺れる真木ようこの脳内が、やはり5つの感情による会議室として映像化されていた。
同様のアイディアは1990年代のテレビのコメディ「Herman’s Head」にも見られるが、私の知る限りでは、人間の心をキャラクターとして描いた元祖は、1943年のディズニーの短編アニメーション「理性と感情（Reason and Emotion）」である。
これは人間の脳内で、理性さんと感情さんが主導権を巡ってせめぎ合う話だが、戦時中の映画だけにヒトラーの演説が感情を増長させ理性が委縮する描写が含まれるなど、かなり啓蒙的な内容。
しかし、最初は感情しかいない赤ちゃんの脳内に、後から理性が生まれる展開、デザインと色による心のキャラクターの描き分け、目を窓とし脳内をコックピットに見立てる演出など、おそらくは本作に大きな影響を与えたルーツともいえる作品だろう。

本作でキャラクター化されたのは、ベーシックな5つの感情、ヨロコビ（Joy）、カナシミ（Sadness）、ムカムカ（Disgust）、ビビリ（Fear）、イカリ（Anger）。
このうちライリーの誕生と同時に存在したのがヨロコビ、ついでカナシミが登場し、ライリーの成長と共に他の感情が次々と現れたということになっている。
しかし感情のリーダーであるヨロコビは、カナシミの存在理由が理解できない。
例えばムカムカは、嫌なものを拒否するために必要で、ビビリはライリーの安全を守っていて、イカリはストレスを吐き出すのに役に立つ。
ではカナシミは？カナシミは何のためにいるのだろう？ライリーが幸せになるためには、常にヨロコビを感じるだけでいいのではないか？

11歳の女の子の頭の中を描くというアイディアは、ピート・ドクター自身の経験から生まれたもの。
ドクターにはニックとエリーという二人の子供がいるのだが、特に愛娘のエリーは彼の映画と不可分の関係だ。
「モンスターズ・インク」でマイクとサリーを振り回す女の子ブー、「カールじいさんの空飛ぶ家」で幼少期のカールが生涯の恋に落ちる少女エリー、そして本作のライリーのキャラクターには、現実のエリー・ドクターの成長過程が反映されている。
なんでも、彼女が11歳の誕生日を迎えたころに“全てが変わった”のだそうだ。
「カールじいさん」のエリーは、実際に同名の彼女が声優を務めているが、あの映画のようにエネルギッシュでドジで快活だったエリーが、いつしか物静かで照れ屋で人目を気にする少女になり、時として感情を爆発させることも。
未来への希望と不安をリアルに意識できるようになり、大人になりたい欲求と子供のままでいたい気持ちが同居する不安定な年齢。
思春期の入り口に立ち、急速に今までとは異なる複雑な人間になって行く娘を見て、ドクターは「彼女の頭の中で、何が起こっているのだろう？」と、本作を発想したのだという。


物語の冒頭でライリーと家族が暮らしているのは、ドクターの故郷でもあるミネソタ州の片田舎。
アメリカ中西部の北端、カナダとの国境に位置し、冬場は氷点下40度を記録することもある寒い土地だ。
自然豊かで広大なミネソタから、少女が引っ越してくるのは西海岸のサンフランシスコ。
ピクサーの本拠地でもあるサンフランシスコ・ベイエリアの中心地は、平地が狭く丘陵地の半島に無理やり碁盤の目状の街を作った過密都市。
おまけに何かと先進的なムーブメントが大好きで、ラジカルにトンがった人々が全米一多いエリアでもある。
生まれ育った大らかな風土とは180度異なる環境の変化、それまでの暮らしが全て“思い出”となってしまったという事実は、ライリーの心に大きなプレッシャーをもたらし、それが脳内司令部からヨロコビとカナシミが放り出されるという事故につながる。

最新の脳科学や心理学の研究に基づいているという、ライリーの脳内世界が面白い。
中心には感情たちがいる司令部のタワーがあり、その周りには忘れられた思い出が捨てられる深い谷がドーナツ状に取り巻いていて、落ちると二度と出られない。
そして谷の対岸には、ライリーの人格を形作る5つの“島”がある。
例えば“家族の島”や“友情の島”“ホッケーの島”など、彼女にとって価値あるものが島の形で形成されていて、心のその部分が刺激されることで、島は次第に大きく複雑に育ってゆく。
逆に関心を失うと、壊れてしまうのだ。
島のさらに向こうには、巨大な迷宮のような思い出の長期保管庫と、寝ている時の夢を作るスタジオ、潜在意識の恐怖を封印する場所などがあり、司令部とは鉄道によって結ばれている。
意識を抽象化する工場で、キャラクターがキュビズムみたいになるのには笑かしてもらった。
複雑な脳の機能を、まるでテーマパークの様なワクワクする世界観に仕上げたセンスに脱帽。

司令部では、感情たちがライリーの直面するシチュエーションに応じて、それぞれの担当に分かれて対応する。
嬉しい事が起こるとヨロコビが、気に入らない時はムカムカやイカリがボタンを押すと、思い出が色違いのボールとなって作られる。
このうち、“特別な思い出”は司令部にあるケースに収納されているが、残りの思い出はダクトを通って思い出の長期保管庫に送られる。
ところが新生活の混乱の中、特別な思い出のボールを守ろうとして、ヨロコビとカナシミがダクトに吸い込まれ、長期保管庫の迷路に放り出されてしまう。
感情のうち、もっとも重要な2つがいなくなったのだから、当然ながら司令部は大混乱し、ライリーの心は制御を失って暴走してゆく。
このあたりの描写には、不思議なリアリティがあって、「もしかしたら自分の頭の中でも同じような感情たちがいたりして？」と想像すると可笑しい。

一方、ヨロコビとカナシミは、思い出の迷宮でライリーの幼い頃の“空想の友だち”であるビンボンと出会い、彼の助けを借りながらなんとか司令部に帰ろうとする。
この冒険を通じたヨロコビの成長が、現実世界でのライリーの成長とシンクロするのだ。
当初カナシミの存在する意味がわからず、疎ましくさえ思っていたヨロコビは、特別な思い出がなぜ特別なのか、ヨロコビの裏側にあるカナシミの意味を知る。
人生はヨロコビばかりじゃない。
もちろんライリーにとっても、今までもそうだったし、これからもそうだけど、子供時代には楽しいことだけを覚えていたかった。
でも生きていればカナシミにしか、涙を流すことでしか癒せないこともあるし、悲しいと思う感情を抑えつけてばかりいたら、いつか心は壊れてしまう。
ライリーにとって、ヨロコビだけを大切にする時期はもう終わり、カナシミを感じるからこそ、ヨロコビがより深い意味を持つことに気づきつつある。
何かを失うことは新たな出会につながり、失敗は次なる成功への機会に他ならない。
それは、彼女と感情たちにとって、思春期という全く新しい経験への入り口だ。
11歳のライリーには、これからまだまだ人生の膨大な時間が待っている。
ビンボンに象徴される子供時代の思い出はいつか消えるが、そのころに培った想像力のエネルギーは彼女の心の成長を後押しし、決して無駄にはならない。



脳内が描かれるのはライリーだけではなく、パパやママ、はては犬や猫の脳内指令部まで出てきて、あるあるネタに抱腹絶倒。
ママの指令部でのやり取りとか、完全に大人のギャグなんだけど、これ子供に突っ込まれたらしどろもどろになりそう（笑
それぞれの脳内で、リーダーのポジションにいるのが誰かも注目ポイントだ。
まあパパもママも人生いろいろあった結果、ああなってるんだろうけど、やっぱり子どもの司令部ではヨロコビがリーダーでいてほしい。
エンドロール中の一文“this film is dedicated to our kids. please don't grow up. ever.”に親としてのピート・ドクターの想いが込められているように思う。
「カールじいさん」の時も思ったけど、この人は最高のお父さんだな。

ちなみに私が最初に観たのは吹替え版だったが、幼い子供達がキャラクターに感情移入して、ビンボンとの別れとか悲しいシーンになると声をあげて泣いていたのが印象的だった。

あの子たちの心は、まさに映画と一緒に成長していたのだな。
その後すぐに英語版を鑑賞したが、改めて吹替え版が非常に細かいところまで、映像や設定を含めてローカライズされていた事に驚かされる。

吹替え版も素晴らしい出来で子どもと行くならコッチも良いと思うが、英語版を観ると台詞からちょっとした表示まで、語彙がいかに丁寧に選ばれているかに感動。

劇中にポランスキーの「チャイナタウン」に引っ掛けたさりげないギャグがあるのだけど、これは英語版じゃないと分からないだろう。

さすがにアメリカでも若い客には通じないネタだと思うが、ピート・ドクターの作品は楽しいだけじゃなく、本当に知的なのである。



同時上映の短編「南の島のラブソング（LAVA）」は、なんと火山島を丸ごとキャラ化。
脳内という極小と極大のコントラストというわけか（笑
愛するものが欲しいと歌う古い孤島と、その歌に惹かれて噴火する若い島を描く切なくてロマンチックな御伽噺。
ペアの島というシチュエーションは、2013年に新島が噴火し、元からあった島と融合してしまった小笠原の西之島を思い出した。

制作時期的に、もしかしたらこのニュースからインスパイアされているのかも。


今回は短編のハワイアンなムードから、ハワイの地ビール「コナ　ビッグウェーブ　ゴールデンエール」をチョイス。
ハワイ島に1994年に生まれた比較的若い銘柄で、南国のビールらしくスッキリしていてフルーティ。
苦みは抑えられており、とても飲みやすい。
コナはボトルラベルのデザインも魅力だが、これも名前のとおりビッグウェーブが描かれていて涼しげでオシャレ。
海に沈む夕日を見ながら、ハワイアン・ミュージックの音色と共に楽しみたい。

　
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